Senses Already Sensed brings together new works by Hana Kim, Nosik Lim, and Jinyong Park, who explore invisible sensations through painting. Each artist employs a distinct approach to delve into sensory interactions that go beyond visual perception, uncovering traces of a world that cannot be reached solely through seeing or being seen. Each artist takes a unique approach to investigating the sensory connections that lie beneath the surface of perception.
In today’s digital age, where our surroundings are increasingly translated into visual and data-driven representations, sensations like touch, sound, and smell are often overlooked or forgotten. Historically, Western philosophy has placed reason above the senses, with vision being celebrated as the most superior.
Yet sight, paradoxically, has the power to evoke other senses through imagination. Visual art uniquely reveals what’s hidden, sparking a sensory and imaginative experience that transcends boundaries. This exhibition seeks to expand our understanding of the world by showcasing works that capture subtle, fleeting (non)sensations in objects, landscapes, and language.
Hana Kim constructs her own abstract world by exploring the materiality of painting—canvas, frame, paint, color, and texture. For Kim, painting is not merely a medium for creating images but a space for exchanging material, spatial, and sensory experiences. Her practice is marked by continuous experimentation with mediums and techniques, including her series, which she began in 2022, using polyester blankets as a support material. While thin like traditional canvas, the blankets’ distinctive texture and colors caused the paint to behave unpredictably, marking a significant shift in her work. These fragile materials emphasize the flatness of painting, challenging its essence as “colored flat surfaces.” Kim’s approach embraces vulnerability, presenting works that interact with their surroundings. Her paintings often layer surfaces—walls, frames, and thin fabrics—to create dynamic compositions that invite viewers into new sensory experiences and painterly possibilities.
Nosik Lim reimagines his observations of the world around him as painterly landscapes. His creative process begins when a specific scene captures his attention, yet his focus extends beyond the visible, exploring microscopic and intangible elements such as air and atmosphere. Lim’s work investigates the gap between himself and his surroundings, translating the emotional resonance of specific times and spaces into visual language. His layered compositions combine fragments of air, memory, and sensation, capturing what is often overlooked. For this exhibition, Lim presents works inspired by exploration of his ancestral graveyard and its surrounding landscapes. By incorporating images and impressions gathered directly from nature, he expands beyond simple representation, weaving intricate narratives about humanity, nature, and the passage of time. Much like a telescope that sharpens its focus as its barrel extends, Lim’s paintings are composed by stretching the distance between himself and his subject. Through this deliberate separation, he pieces together delicate fragments caught between gaps, ultimately forming vast, sweeping landscapes imbued with a macro perspective.
Jinyong Park examines the intersection of language, the body, and sensory experiences, transforming them into her own distinctive painterly language. After moving to the UK and navigating a bilingual environment, she began exploring how language functions as an external mediator rather than a fixed internal structure. This led her to investigate the interplay between language and the body through art. Park records words and thoughts from daily life, analyzing them through emotional, psychological, and physical lenses. She uses the sound and meaning of words, alongside personal memories, to construct forms and colors, resulting in works that resemble a personal visual “hieroglyph.” In this exhibition, Park showcases Bullet Church (2024), a piece inspired by lingering memories of her hometown, Seoul. By translating notions of transcendence, longing, and nostalgia into geometric elements, she creates a visual essay that reimagines her connection to place. Park’s work invites viewers to reconstruct their own sensory memories, redefining language as more than a tool for communication. Her paintings propose language as a tactile, auditory, and emotional presence, prompting new sensory and emotional responses.
As the renowned French thinker Jacques Attali once remarked, the world is not just for seeing but for hearing, touching, and feeling with the whole body. The works in Senses Already Sensed awaken these often-overlooked sensations, offering a deeper engagement with the richness of our sensory experiences.
In today’s digital age, where our surroundings are increasingly translated into visual and data-driven representations, sensations like touch, sound, and smell are often overlooked or forgotten. Historically, Western philosophy has placed reason above the senses, with vision being celebrated as the most superior.
Yet sight, paradoxically, has the power to evoke other senses through imagination. Visual art uniquely reveals what’s hidden, sparking a sensory and imaginative experience that transcends boundaries. This exhibition seeks to expand our understanding of the world by showcasing works that capture subtle, fleeting (non)sensations in objects, landscapes, and language.
Hana Kim constructs her own abstract world by exploring the materiality of painting—canvas, frame, paint, color, and texture. For Kim, painting is not merely a medium for creating images but a space for exchanging material, spatial, and sensory experiences. Her practice is marked by continuous experimentation with mediums and techniques, including her series, which she began in 2022, using polyester blankets as a support material. While thin like traditional canvas, the blankets’ distinctive texture and colors caused the paint to behave unpredictably, marking a significant shift in her work. These fragile materials emphasize the flatness of painting, challenging its essence as “colored flat surfaces.” Kim’s approach embraces vulnerability, presenting works that interact with their surroundings. Her paintings often layer surfaces—walls, frames, and thin fabrics—to create dynamic compositions that invite viewers into new sensory experiences and painterly possibilities.
Nosik Lim reimagines his observations of the world around him as painterly landscapes. His creative process begins when a specific scene captures his attention, yet his focus extends beyond the visible, exploring microscopic and intangible elements such as air and atmosphere. Lim’s work investigates the gap between himself and his surroundings, translating the emotional resonance of specific times and spaces into visual language. His layered compositions combine fragments of air, memory, and sensation, capturing what is often overlooked. For this exhibition, Lim presents works inspired by exploration of his ancestral graveyard and its surrounding landscapes. By incorporating images and impressions gathered directly from nature, he expands beyond simple representation, weaving intricate narratives about humanity, nature, and the passage of time. Much like a telescope that sharpens its focus as its barrel extends, Lim’s paintings are composed by stretching the distance between himself and his subject. Through this deliberate separation, he pieces together delicate fragments caught between gaps, ultimately forming vast, sweeping landscapes imbued with a macro perspective.
Jinyong Park examines the intersection of language, the body, and sensory experiences, transforming them into her own distinctive painterly language. After moving to the UK and navigating a bilingual environment, she began exploring how language functions as an external mediator rather than a fixed internal structure. This led her to investigate the interplay between language and the body through art. Park records words and thoughts from daily life, analyzing them through emotional, psychological, and physical lenses. She uses the sound and meaning of words, alongside personal memories, to construct forms and colors, resulting in works that resemble a personal visual “hieroglyph.” In this exhibition, Park showcases Bullet Church (2024), a piece inspired by lingering memories of her hometown, Seoul. By translating notions of transcendence, longing, and nostalgia into geometric elements, she creates a visual essay that reimagines her connection to place. Park’s work invites viewers to reconstruct their own sensory memories, redefining language as more than a tool for communication. Her paintings propose language as a tactile, auditory, and emotional presence, prompting new sensory and emotional responses.
As the renowned French thinker Jacques Attali once remarked, the world is not just for seeing but for hearing, touching, and feeling with the whole body. The works in Senses Already Sensed awaken these often-overlooked sensations, offering a deeper engagement with the richness of our sensory experiences.
상히읗은 2025년의 첫 전시로 김하나, 임노식, 박진용의 단체전 《이미 감각된 감각(Senses Already Sensed)》을 선보인다. 본 전시는 회화를 매개로 비가시적 감각을 탐구하는 세 작가의 신작으로 구성된다. 이들은 각각의 고유한 접근 방식을 통해 시각을 넘어서는 감각적 상호작용을 탐구하며, 보는 것 혹은 보이는 것만으로는 다가갈 수 없는 세계와 그에 내재된 감각의 흔적들을 드러낸다.
우리의 주변 세계는 끊임없이, 또 빠른 속도로 디지털 데이터나 시각적 재현물로 치환되고 있다. 이 과정에서 촉각, 청각, 후각과 같은 비가시적 감각들은 그 자체로 종종 잊혀지거나 간과되곤 한다. 주지하듯 근대 서양 철학에서 감각은 이성과 대비되는 열등한 것으로 여겨졌으며, 그 중 시각만이 가장 우월한 감각으로 자리 잡았다.
하지만 역설적이게도, 시각은 그 자체로 타 감각을 ‘상상’하게 만드는 힘을 지닌다. 보이지 않는 것을 시각적으로 드러내고, 이를 통해 감각의 경계를 넘어서는 상상력을 자극하는 일은 시각예술이 가진 고유한 역할이자 가능성이다. 본 전시는 사물이나 상태, 풍경, 언어 등에서 포착되거나 명멸하는 미세한 (비)감각을 긴밀하게 관찰하는 세 작가의 작품을 통해 우리가 감각하는 세계를 더욱 확장해보고자 한다.
김하나는 회화를 이루는 물질적 조건—캔버스, 프레임, 물감, 색, 질감—을 탐구하며 그만의 추상 세계를 구축해왔다. 그에게 회화란 단순히 이미지를 전달하는 수단이 아닌, 공간과 물성, 그리고 감각적 경험을 교류하는 매개체이다. 회화적 방향성을 골몰하며 매체와 표현 방식에의 갱신을 추진한 김하나는 2022년 폴리에스터 소재의 얇은 담요를 지지체로 활용한 작품을 선보였다. 얇다는 점에서 전통 캔버스 천과 유사성을 갖지만 담요의 색과 특유의 재질 덕분에 물감이 발현되는 방식이 확연히 달랐고, 이는 회화의 질감과 물성을 탐구해 온 작가에게 새로운 전환점이 되었다. 표면으로써 담요는 취약하고 연약하나 이는 곧 평평한, 납작한 면이라는 회화의 기본 조건을 더욱 부각시키며, ‘채색된 납작한 면’이라는 회화의 근본적 본질에 질문을 던졌다. 작가는 기술적(혹은 회화적) 범주에서 화면의 밀도를 구현하기보다는 이미 그 자체로 ‘취약성’을 띠는 회화를 제시한다. 작품이 놓이는 공간과 벽, 프레임, 여러 개의 얇은 천 등 다수의 표면이 겹쳐져 구성되는 그의 회화는 취약한 상태를 자처한 채 주변 환경과 작용하고 또 조응하며 새로운 감각적 경험과 회화적 가능성을 탐구한다.
임노식은 자신을 둘러싼 주변 환경이나 삶을 구심점으로 삼아, 본인이 경험하고 관찰한 요소들을 회화적 풍경으로 재구성한다. 특정한 풍경이나 장면이 시야에 들면 작업이 시작된다는 작가는 눈 앞의 풍경을 한눈에 담지 않는다. 그의 시선은 단순히 풍경을 재현하는 것에 있는 것이 아니라, 그곳을 채우고 구성하는 미시적인 세계, 느껴지지만 보이지 않는 공기를 경험하고 탐구하는 데 있다. 작가는 대상과 자신 사이에 존재하는 간극을 바라보고, 이를 통해 특정한 시공간의 정서를 회화적 언어로 구현한다. 거리를 메우는 공기, 무형의 감각, 기억의 틈, 경험의 조각 등 여러 층위의 간극들이 중첩된 그의 회화는 일견 희미하지만 잡힐듯 잡히지 않는, 보일듯 보이지 않는 무언가에 초점을 맞춰보려는 부단한 시도이다. 이번 전시에서 작가는 가족 선산에서 출발해 주변 풍경을 탐구하며, 자연 속 미세한 움직임과 생명의 변화를 관찰하고 이를 재구성한 신작을 선보인다. 실제 풍경에 직접 들어가 수집한 이미지와 경험을 바탕으로 하지만 단순한 묘사를 넘어, 자연과 인간, 그리고 시간의 순환에 얽힌 복잡한 이야기를 시각적으로 확장한다. 경통의 길이를 늘리면 늘릴수록 미세히 볼 수 있는 망원경처럼, 대상과의 거리를 최대한 늘어뜨린 채 틈과 틈 사이에서 포착되는 세밀한 조각들을 더듬어가며 구성되는 그의 화면은 이내 거시적인 관점을 담은 풍경이 된다.
박진용은 언어와 신체, 그리고 이를 둘러싼 감각적 경험을 탐구하며, 이를 자신만의 독창적인 회화적 언어로 재구성하는 작업을 이어오고 있다. 영국으로 이주하여 이중언어 환경 속에서 언어를 경험한 그는, 언어가 고정된 내재적 구조가 아니라 외부적인 매개체로 기능할 수 있음을 깨닫게 되었고, 이를 바탕으로 언어와 신체의 상호작용을 시각적으로 풀어내는 연구를 지속해왔다. 그는 일상 속에서 떠오르는 단어와 생각을 기록하고, 이를 심리적, 정서적, 신체적 층위에서 분석한다. 단어의 음성과 의미, 그리고 이를 둘러싼 개인적 기억과 신체적 반응을 기반으로 형태와 색채를 구성하며, 이러한 반복과 변주의 과정을 통해 그의 작업은 마치 작가만의 ‘상형문자’처럼 회화적 형식으로 탄생한다. 이번 전시에서는 작가의 기억 속 서울에 대한 오랜 잔상을 반영한 작품 <Bullet Church>가 소개된다. 이 작품은 보이지 않는 대상을 향한 초월적 종교성, 맹목적 추구, 극도의 환영, 실패로 예정된 희생, 그리고 그럼에도 고향으로서의 서울이라는 다양한 이미지들을 기하학적 요소로 번역하고 조합해 하나의 시각적 수필로 완성했다. 박진용의 작품은 관람자로 하여금 개인의 감각적 기억과 경험을 새롭게 떠올리고 재구성하도록 이끌며, 언어가 단순한 의미 전달의 도구를 넘어, 촉각적이고 청각적이며 정서적 반응을 불러일으키는 존재임을 새롭게 제시한다.
세계적인 석학 자크 아탈리(Jacques Attali, 프랑스)가 말했듯 세상은 보기만을 위함이 아니다. 듣고, 만지고, 온 몸으로 느끼기 위함이다. 그리고 지금 여기 상히읗을 채운 이들의 작업은 우리가 일상에서 느끼고도 인지하지 못한 감각을 다시 한번 일깨운다.
우리의 주변 세계는 끊임없이, 또 빠른 속도로 디지털 데이터나 시각적 재현물로 치환되고 있다. 이 과정에서 촉각, 청각, 후각과 같은 비가시적 감각들은 그 자체로 종종 잊혀지거나 간과되곤 한다. 주지하듯 근대 서양 철학에서 감각은 이성과 대비되는 열등한 것으로 여겨졌으며, 그 중 시각만이 가장 우월한 감각으로 자리 잡았다.
하지만 역설적이게도, 시각은 그 자체로 타 감각을 ‘상상’하게 만드는 힘을 지닌다. 보이지 않는 것을 시각적으로 드러내고, 이를 통해 감각의 경계를 넘어서는 상상력을 자극하는 일은 시각예술이 가진 고유한 역할이자 가능성이다. 본 전시는 사물이나 상태, 풍경, 언어 등에서 포착되거나 명멸하는 미세한 (비)감각을 긴밀하게 관찰하는 세 작가의 작품을 통해 우리가 감각하는 세계를 더욱 확장해보고자 한다.
김하나는 회화를 이루는 물질적 조건—캔버스, 프레임, 물감, 색, 질감—을 탐구하며 그만의 추상 세계를 구축해왔다. 그에게 회화란 단순히 이미지를 전달하는 수단이 아닌, 공간과 물성, 그리고 감각적 경험을 교류하는 매개체이다. 회화적 방향성을 골몰하며 매체와 표현 방식에의 갱신을 추진한 김하나는 2022년 폴리에스터 소재의 얇은 담요를 지지체로 활용한 작품을 선보였다. 얇다는 점에서 전통 캔버스 천과 유사성을 갖지만 담요의 색과 특유의 재질 덕분에 물감이 발현되는 방식이 확연히 달랐고, 이는 회화의 질감과 물성을 탐구해 온 작가에게 새로운 전환점이 되었다. 표면으로써 담요는 취약하고 연약하나 이는 곧 평평한, 납작한 면이라는 회화의 기본 조건을 더욱 부각시키며, ‘채색된 납작한 면’이라는 회화의 근본적 본질에 질문을 던졌다. 작가는 기술적(혹은 회화적) 범주에서 화면의 밀도를 구현하기보다는 이미 그 자체로 ‘취약성’을 띠는 회화를 제시한다. 작품이 놓이는 공간과 벽, 프레임, 여러 개의 얇은 천 등 다수의 표면이 겹쳐져 구성되는 그의 회화는 취약한 상태를 자처한 채 주변 환경과 작용하고 또 조응하며 새로운 감각적 경험과 회화적 가능성을 탐구한다.
임노식은 자신을 둘러싼 주변 환경이나 삶을 구심점으로 삼아, 본인이 경험하고 관찰한 요소들을 회화적 풍경으로 재구성한다. 특정한 풍경이나 장면이 시야에 들면 작업이 시작된다는 작가는 눈 앞의 풍경을 한눈에 담지 않는다. 그의 시선은 단순히 풍경을 재현하는 것에 있는 것이 아니라, 그곳을 채우고 구성하는 미시적인 세계, 느껴지지만 보이지 않는 공기를 경험하고 탐구하는 데 있다. 작가는 대상과 자신 사이에 존재하는 간극을 바라보고, 이를 통해 특정한 시공간의 정서를 회화적 언어로 구현한다. 거리를 메우는 공기, 무형의 감각, 기억의 틈, 경험의 조각 등 여러 층위의 간극들이 중첩된 그의 회화는 일견 희미하지만 잡힐듯 잡히지 않는, 보일듯 보이지 않는 무언가에 초점을 맞춰보려는 부단한 시도이다. 이번 전시에서 작가는 가족 선산에서 출발해 주변 풍경을 탐구하며, 자연 속 미세한 움직임과 생명의 변화를 관찰하고 이를 재구성한 신작을 선보인다. 실제 풍경에 직접 들어가 수집한 이미지와 경험을 바탕으로 하지만 단순한 묘사를 넘어, 자연과 인간, 그리고 시간의 순환에 얽힌 복잡한 이야기를 시각적으로 확장한다. 경통의 길이를 늘리면 늘릴수록 미세히 볼 수 있는 망원경처럼, 대상과의 거리를 최대한 늘어뜨린 채 틈과 틈 사이에서 포착되는 세밀한 조각들을 더듬어가며 구성되는 그의 화면은 이내 거시적인 관점을 담은 풍경이 된다.
박진용은 언어와 신체, 그리고 이를 둘러싼 감각적 경험을 탐구하며, 이를 자신만의 독창적인 회화적 언어로 재구성하는 작업을 이어오고 있다. 영국으로 이주하여 이중언어 환경 속에서 언어를 경험한 그는, 언어가 고정된 내재적 구조가 아니라 외부적인 매개체로 기능할 수 있음을 깨닫게 되었고, 이를 바탕으로 언어와 신체의 상호작용을 시각적으로 풀어내는 연구를 지속해왔다. 그는 일상 속에서 떠오르는 단어와 생각을 기록하고, 이를 심리적, 정서적, 신체적 층위에서 분석한다. 단어의 음성과 의미, 그리고 이를 둘러싼 개인적 기억과 신체적 반응을 기반으로 형태와 색채를 구성하며, 이러한 반복과 변주의 과정을 통해 그의 작업은 마치 작가만의 ‘상형문자’처럼 회화적 형식으로 탄생한다. 이번 전시에서는 작가의 기억 속 서울에 대한 오랜 잔상을 반영한 작품 <Bullet Church>가 소개된다. 이 작품은 보이지 않는 대상을 향한 초월적 종교성, 맹목적 추구, 극도의 환영, 실패로 예정된 희생, 그리고 그럼에도 고향으로서의 서울이라는 다양한 이미지들을 기하학적 요소로 번역하고 조합해 하나의 시각적 수필로 완성했다. 박진용의 작품은 관람자로 하여금 개인의 감각적 기억과 경험을 새롭게 떠올리고 재구성하도록 이끌며, 언어가 단순한 의미 전달의 도구를 넘어, 촉각적이고 청각적이며 정서적 반응을 불러일으키는 존재임을 새롭게 제시한다.
세계적인 석학 자크 아탈리(Jacques Attali, 프랑스)가 말했듯 세상은 보기만을 위함이 아니다. 듣고, 만지고, 온 몸으로 느끼기 위함이다. 그리고 지금 여기 상히읗을 채운 이들의 작업은 우리가 일상에서 느끼고도 인지하지 못한 감각을 다시 한번 일깨운다.